Wurzeln und Ausbildung

Geboren in Lida, in der Region Nowogródek. Ab 1945 lebte er zusammen mit seinen Eltern im Ermland, in der Nähe von Bartoszyce. Er war Absolvent des Pädagogischen Lyzeums in Bartoszyce und später des Lehrerstudiums in Olsztyn. Sein Kunststudium absolvierte er an der Fakultät für Bildende Künste der Nikolaus-Kopernikus-Universität in Toruń, wo er 1967 sein Diplom im Bereich Malerei im Atelier von Prof. Stanisław Borysowski erlangte.

Die einzelnen Etappen seiner Ausbildung waren mit pädagogischer Arbeit durchwoben. Auch nach dem Studium in Toruń kehrte er nach Olsztyn zurück und nahm eine Tätigkeit am Lehrerstudium an der Technischen Fakultät auf, wo er Kurse in künstlerischer Holzbearbeitung leitete. Dies wurde zum Anlass, sein Interesse der angewandten Kunst zuzuwenden. Nach der Auflösung des Lehrerstudiums entschied er sich für eine freiberufliche Tätigkeit und arbeitete mit den Werkstätten für Bildende Künste (Pracownia Sztuk Plastycznych) zusammen. Ab 1990 war er als Dozent an der Pädagogischen Hochschule tätig und lehrte Bildhauerei. Nach acht Jahren erlangte er die Qualifikation ersten Grades (Promotion im künstlerischen Bereich) im Fachbereich Malerei. Diese Qualifikationen ermöglichten seine Ernennung zum Adjunkt (Assistenzprofessor). Im Jahr 2003 erlangte er die Qualifikation zweiten Grades (Habilitation).

Erste Erfolge und Stilfindung

Die Malerei brachte den ersten Erfolg in Form eines zweiten Preises bei der Wettbewerbsausstellung „Leben und Arbeit in Ermland und Masuren“ im BWA in Olsztyn, bereits im ersten Jahr nach seinem Studium (1967). Dies gab den Anstoß zur Teilnahme am künstlerischen Leben der Region durch die Mitwirkung an den jährlichen Ausstellungen der bildenden Kunst in Olsztyn. In seinen Bildern und Zeichnungen dominierten Landschaften und figuratve Kompositionen. Der Künstler war auf der Suche nach seinem eigenen Stil. Dabei nutzte er die im Atelier von Prof. Borysowski gewonnenen Erfahrungen und seine Sensibilität für Farbe und Licht. Er beobachtete die neuesten Kunsttrends. In seiner frühen Malerei finden sich Elemente des Surrealismus, der Metaphysik, des Symbolismus sowie metaphysische und allegorische Stilisierungen. Der avantgardistischen Kunst gab er jedoch nicht nach.

Seine unruhige Natur verlangte nach immer neuen künstlerischen Ausdrucksmitteln. Die Malerei allein konnte diese Ambitionen nicht vollends befriedigen. Die angewandte Kunst, die bisher als Hobby galt, gewann im folgenden Jahrzehnt die Oberhand. Ohne auf Leinwand und Pinsel zu verzichten, stellte er sich einer neuen Herausforderung in einem neuen Bereich: der Keramik. Durch Experimente und Recherchen, gestützt auf gründliche Studien, beherrschte er das Handwerk bis zur Perfektion und entwickelte seinen eigenen, charakteristischen Stil. So schuf er Werke, die im In- und Ausland großes Interesse und Anerkennung fanden.

Einklang mit der Natur und keramische Formen

Aufgewachsen in Ermland und Masuren und geistig fest mit der Natur verbunden, ließ er sich von der Volkskunst und Naturmotiven inspirieren. In der ersten Phase seiner Erfahrung mit dem neuen Material schuf er kleine Gebrauchsformen und konzentrierte sich dabei hauptsächlich auf die Dekorativität der Motive und die Stilisierung der Formen. Die Beherrschung der Glasurtechnologie und Experimente mit deren Wirkung führten zu dem Wunsch, die erreichten Möglichkeiten in großräumigen Kompositionen zu präsentieren.

Seine regelmäßig ausgestellten Arbeiten fanden zahlreiche Abnehmer und schmücken bis heute die Innenräume ständiger Galerien, privater Apartments und offizieller Residenzen. Die Krönung seiner Erfahrungen und Erfolge war die Innenraumgestaltung. Gelegentlich wurden seine Keramikskulpturen zu architektonischen Elementen und dominierten den Raum (u. a. die Kapelle der „Caritas“ in Przasnysz). Sie bildeten monumentale Innenraumkompositionen.

Rückkehr zur Leinwand: Die Philosophie des Baumes

Mit der Erfüllung im Bereich der dekorativen Kunst und der räumlichen Komposition endete 1986 das Abenteuer mit der Keramik. Die ästhetischen Erfahrungen aus der Arbeit mit der Form – ihrem Material und ihrer Struktur, dem Licht, das Formen modelliert und Farben nuanciert – wollte er nun in der Malerei nutzen. Während er kontinuierlich malte, suchte er nach den passendsten Ausdrucksmitteln für sein persönliches Verhältnis zur umgebenden Realität. Seinen Interessenkreis verengte er auf die Welt der Natur. Diese Inspirationen entsprangen seiner organischen Verbindung zur Umwelt. Sie war die Quelle seiner eigenen Philosophie, Träume und Erlebnisse.

Aufkommende Ängste um die Zukunft und das Überleben hielt er auf der Leinwand fest. Es entstanden dynamische, durch Farbkontraste aufwühlende Landschaftskompositionen, die einen Zustand der Bedrohung verdeutlichten. Zuweilen tauchten im surrealistischen Raum Hoffnung und Optimismus auf. Die Farben wurden dann zarter, harmonisierter und leuchtender, die Formen ruhiger. In anderen Momenten zwang eine monochrome Landschaft zur Reflexion über die Vision eines Untergangs. Diese Malerei ist eine Botschaft in Bezug auf die biologische Struktur der Welt.

Michał Sawaniuk schuf in seinen Arbeiten Dekorativität, indem er Motive aus der Keramikverarbeitung nutzte – die Struktur gesprungener Oberflächen und den häufigen Rückgriff auf abgerundete Formen. In der surrealen Landschaft ist das Grundelement das Motiv des Baumes – ein Symbol für Leben und Kraft. Einzeln oder in Gruppen, oft verloren in einer ihnen feindlich gesinnten Umgebung, wuchsen sie auf schlanken, zarten Stämmen zu üppigen Kronen mit unnatürlichen Formen heran, die an gedrehte Körper wie Zylinder, Kegel, Spindeln oder Schilde erinnerten.

Zuweilen ist in den Kompositionen ein ganzer Lebenszyklus verborgen – vom keimenden Samen über die Zerbrechlichkeit des Wachstums bis hin zur vollen Blüte der Reife. Es ist eine Poetik des Geheimnisses des Lebens, dargestellt auf nostalgische und melancholische Weise, die auf Einsamkeit und Koexistenz, auf Fortbestand und Vergänglichkeit anspielt. Der Künstler spricht durch die Farbe, indem er reine und aggressive Töne einsetzt, oft kontrastreich nebeneinandergestellt, oder das Bild in einem einzigen Ton hält – in Beige, Blau oder aufgehelltem Rosa –, um eine spezifische Atmosphäre zu schaffen. Kunst und Didaktik waren im Leben des Künstlers untrennbar miteinander verwoben. In Verbindung mit der umgebenden Natur formten sie dieses sensible und unruhige Wesen.